Desde el blog de la Revista Gal-Art, os invitamos a un recorrido fotográfico por una de las ciudades más bellas, y también más retratadas de España: SALAMANCA.

Un recorrido por parajes y rincones que no por menos conocidos, no dejan de despertar la curiosidad, y de trasladarnos a una época d'esplendor, que la ciudad aun conserva.

Este artículo fue publicado en la sección Flash para un lienzo, en el número 344 correspondiente a septiembre-octubre de 2013

Hablar de Salamanca es hablar de uno de esos lugares capaces de fascinar la mirada de quien los recorre. La capital del Tormes, como un bosque de piedra dorada con las torres de sus templos alzadas sobre el río, puede llevar como pocas el calificativo de monumental con total exactitud.

Recorrer sus calles tanto en invierno como en verano, es sumergirse en el dinámico ambiente estudiantil y cosmopolita que reina en la ciudad: en invierno  los cerca de treinta mil estudiantes que cursan estudios en alguna de las dos universidades, y después los extranjeros que acuden a los cursos de verano y los turistas, son los responsables del secreto por antonomasia de su eterna juventud.

A pesar de la expansión urbanística que ha experimentado la ciudad en las últimas décadas, el centro neurálgico salmantino sigue siendo la Plaza Mayor. Construida según proyecto de Alberto Churriguera entre 1729 y 1755, es uno de los espacios públicos más elegantes que podemos encontrar en España. Está configurada en sus cuatro lados por arcos de medio punto alzados sobre pilares y recorrida por simétricas balconadas. De depurado estilo barroco posee una armonía admirable. En la aledaña Plaza del Poeta puede verse una escultura en bronce que muestra a Alberto de Churriguera sentado a una mesa de trabajo mientras es atisbado por encima de su hombro derecho por el promotor de esta maravillosa plaza José del Castillo, Conde de Francos.

Salamanca tiene dos Catedrales, La Vieja y La Nueva, merecedoras ambas de una detenida visita. Y tiene muchísimas cosas más, numerosas iglesias, conventos, colegios mayores, palacios… Pero permitidme que le dedique unas líneas a la fachada de la Universidad, esa maravilla plateresca construida hacia 1529. Este tapiz o estandarte labrado en piedra dorada de las canteras de Villamayor, como casi toda la ciudad, alza sobre una doble puerta de arcos rebajados, tres cuerpos horizontales recorridos en sentido vertical por cinco calles enmarcadas entre pilastras, todo ello coronado por una crestería, como si de un retablo se tratara. Y frente a ella, contemplándola, la estatua de Fray Luis de León del que se conserva el aula tal y como fuera en su tiempo, con toda su elocuente simplicidad.

No partiremos de la ciudad sin cruzar el puente para ver sus catedrales reflejadas en las aguas del Tormes donde el desconocido autor hiciera nacer a nuestro Lazarillo. Y dejaremos para otro momento hablar de los innumerables intelectuales que desde este lugar han dejado su impronta en la humanidad, baste citar a Francisco de Vitoria, Antonio de Nebrija, Fray Luis de León y Unamuno.

Es cierto el dicho: «Aquí se viene a aprender» Y también a aprehender el vuelo de la belleza, añadimos nosotros. El ojo avizor

Para terminar el mes de marzo y empezar el de abril con un tema original, el blog de Gal-Art se inclina por la escultura, la que realiza NINO ORLANDI.

Un articulo recientemente publicado en nuestra revista, por nuestro particular fisgón en la red, pero que por la originalidad de las tallas y la belleza de las esculturas, bien merece una difusión a través de nuestro blog.

Nino Orlandi es un artista nacido en Italia, el 1 de marzo del año 1946. Las sorprendentes esculturas realistas de Orlandi normalmente son objetos de admiración, y una forma de compartir su histórico conocimiento y la pasión por la talla que ganó a través de los años. En cuanto a la calidad de sus obras, es un estilo característico, la utilización de figuras muy detalladas. 

Entre sus modelos a tallar, el espectador puede encontrar un amplio espectro de diseños, desde relojes, figuras abstractas, surrealistas y figurativas. Por lo que sin duda alguna, este maestro italiano es uno de los mejores representantes del actual oficio de la talla en madera. El fisgón artístico

 

Comenzamos la tercera semana de Marzo, con un artículo dedicado a una de las mejores fotógrafos y cineastas que ha dado 

el mundo de la imagen: Leni  Riefenstahl. 

Lamentablemente denostada por su directa vinculación con el régimen nazi, hasta pocos años antes de su fallecimiento, no fue reconocida su laboren la innovación para la filmación de grandes acontecimientos.

Sirva esta publicación como homenaje por parte de Gal-Art a una mujer revolucionaria por su creatividad e innovación tanto en la fotografía como la cinematografía.

La cinematografía y la fotografía europeas han aportado a lo largo de su historia, grandes nombres que han dejado huella marcando un antes y un después.

Leni Riefenstahl (Berlín, 1902-2003),  es uno de esos nombres, que ha permanecido demasiado tiempo en el olvido, demonizada por su directa vinculación con el régimen de la Alemania nazi, apartando con ello su indiscutible profesionalidad,  sensibilidad e innovación con el uso de la cámara.

Desde niña fue entusiasta del aire libre y la naturaleza, se dedicó en principio a la danza, donde alcanzó una gran brillantez hasta que un accidente en el escenario truncó su carrera. Su admiración por Arnoldk Franck le llevó a aprender esquí y escalada, convirtiéndose así en una actriz de cintas de aire alpino. Pero su nombre se relaciona con un film: «Olimpiada».

Realizada durante los juegos olímpicos de 1936, es una epopeya del ritmo y el esfuerzo físico, que sigue siendo insuperada en su género, pese al progreso posterior de la tecnología cinematográfica, para el documentalismo, con emulsiones más sensibles y en color, lentes más luminosos y teleobjetivos más potentes. Ninguna de las ediciones posteriores de los juegos olímpicos filmados (todos ellos realizados por hombres), ha alcanzado su nivel, ni en el fotográfico, ya que todos parten de las innovaciones de la Riefenstahl de 1936. Si «Olimpiada» fue su filme más famoso (merecedor de una carta manuscrita de Stalin), «El Triunfo de la Voluntad» ha resultado su película más explícitamente política y polémica, al tratarse de un documental propagandístico sobre el congreso del partido Nazi en la Alemania de 1935. Esta cinta sigue siendo una espina atragantada de los estetas del cine, que encuentran en ella un golpe de fascinación perturbadora, pues bajo sus audaces conquistas formales, algunas no superadas y insuperables, se destila una exaltación de comportamientos y signos distintivos de la ideología nacional-socialista, la mayor fuente de dolor y crimen noticiable.

El prestigio de la Riefenstahl como productora y directora se remonta a otro filme de rotundo éxito en su país, y del que también se extrajeron maravillosas fotografías: «Das blue Licht» (La luz azul o el monte de los muertos) . Tal como comenta en sus Memorias (Editorial Lumen 1991) «Estaba descontenta con mi papel en mi última película alpina (...) Ya estaba harta de fríos glaciales, de las tormentas y de las  heladas. Anhelaba ir a las montañas sin hielo, y sin nieve y comencé a soñar. De mis sueños nacieron imágenes. De forma neblinosa reconocí el contorno de una muchacha que vive en las montañas, una criatura de la naturaleza. La veía escalando, la veía a la luz de la luna y presencié como la perseguían y la apedreaban y finalmente se precipitaba lentamente hacia las profundidades...»

En el grupo del Brenta de los Montes Dolomitas se filmaron las escenas de escalada, sin ninguna medida de seguridad. Le apasionaba el alpinismo y no tuvo necesidad de recurrir a ningún doble de sus películas. El estreno de «Das Blue Licht» tuvo lugar el 24 de marzo de 1932 con un éxito rotundo.

Leni Riefenstahl realizó además un film inspirado en la Terra Baixa de Ángel Guimerà, (Tierra Baja 1934), de la que el compositor Eugen d’Albert había compuesto con anterioridad una ópera con el mismo nombre. Caída en desgracia después de la Segunda Guerra Mundial, no pudo dirigir ningún otro film. Sin embargo, realizó libros de fotografías en el Sudan, concretamente con la tribu de los Nuba, y los Masai, admiradas hoy en todo el mundo.  Hasta los 72 años practicó submarinismo, gracias a lo cual pudo realizar bellas filmaciones y fotografías submarinas, en el Mar Rojo.

Una valerosa mujer que creyó en su obra y en su obsesión. Redacción.

Revista GAL-ART

Exposiciones, fotografía, artículos de fondo, galerías… todo lo que hay que saber sobre el mundo del arte, contado de forma amplia, documentada y explícita.

Todos los artículos de fondo de este blog, son extraídos de los publicados de forma impresa en la revista GAL-ART.

No obstante, bueno será recordar de nuevo, como la redacción de nuestra revista trata la información sobre todas las actividades relacionadas con el arte, tanto en lo referente a la geografía española, como a nivel internacional, os mostramos un par de páginas de información de actualidad.

Desde el respeto, con la máxima pluralidad en cuanto a contenidos, y con la firme convicción de que en el mundo virtual, no puede dejar de existir las publicaciones impresas, como prueba irrefutable del relato o información sobre acontecimientos, a la vez que permite una mejor y más cómoda observación, así como el aprecio de detalles y reflexión de contenidos sobre cualquier tema de actualidad,  pensamos que puede ser de vuestro interés saber cómo es Gal-Art magazine, en cuanto al tratamiento en datos e imágenes.

Gal-Art no recibe subvención alguna, lo cual le permite absoluta libertad para comunicar acontecimientos artísticos, sin cesuras ni pleitesías. Gracias a la fidelidad de sus suscriptores, consigue mantenerse como la revista decana de la prensa especializada en arte.

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Gracias por vuestra atención y un cordial saludo a todos.

Mario Nicolás

Director

El artículo correspondiente a la última semana del mes de febrero, lo dedicamos a algo tan bucólico y embriagador como la navegación y el mar.

Un texto aparecido recientemente en nuestra publicación, y al que invitamos a todos nuestros lectores a deleitarse con hermosas imágenes de obras absolutamente geniales. 

La navegación, el adentrarse en los confines de lo inexpugnable a través de hermosos navíos o de singulares barcas, siempre a sido para el ser humano motivo de evolución y conocimiento.

EN UN TIEMPO, EN UN LUGAR

EL BARCO Y EL MAR EN TODAS SUS ÉPOCAS

La navegación ha constituido para el hombre uno de las máximas expresiones de libertad. Desde tiempos inmemoriales, el hecho de surcar las aguas ha tenido profundos y hondos significados, al margen del transporte de mercancías o de pasajeros, y el arte ha sabido captar de forma embriagadora, el espíritu aventurero de muchos marinos, hombres de mar que han comandado todo tipo de embarcaciones: buques de guerra, goletas, gabarras, barcos de pesca, o de vapor… todo un sinfín de navíos inmortalizados en hermosos lienzos.

Pero hay una vertiente de la navegación mucho más romántica y bucólica: pasear en barca por un pequeño lago, ver como los veleros se alejan lentamente de la costa hacia rumbo desconocido, o como se acercan a la misma después de una travesía. Barcas navegando o buques en dique seco constituyen un universo implícito y explicito, cuyo denominador común es el elemento líquido. A través de las distintas obras que ofrece este artículo, el lector puede captar una significativa variedad de aspectos relacionados con el hecho de navegar; desde imponentes navíos a barcas de paseo; desde charlas entre marinos o pescadores, hasta la reparación de buques.

La grandeza de los océanos simboliza lo infinito y lo eterno. La pequeñez de lagunas o la estrechez de los ríos, representan una faceta de sosiego para el alma y el pensamiento. El mundo marítimo, pródigo en formas y colores tan múltiples y variados, despeja la mente y da alas a la fantasía. El desván de Minerva

La escultura es uno de los ámbitos artísticos más complejos que existen.  
El escultor precisa conocer los materiales,
conocer la técnica tanto del esculpido como la 
del planteamiento escultórico, además de poseer 
un sentido del arte mucho más amplio, y de una estética más cuidada. 

Un trabajo arduo, por lo que implica la creación en si misma como la obtención del resultado final.

La revista Gal-Art dedicó a la exposición: UN SEGLE D'ESCULTURA CATALANA, exhibida en el MUSEU EUROPEU D'ART MODERN 
a principios de 2013, un apartado como artículo de fondo, 
al considerar este arte poco propagado tanto a 
nivel general como dentro de las artes plásticas. 

Sirva pues este texto como homenaje de Gal-Art a todos los escultores de todos los tiempos, que han extraído la BELLEZA de los más intrínsecos y a veces toscos materiales.

MEAM 

(MUSEU EUROPEU D’ART MODERN) 

 Barcelona

La escultura es una temática y técnica artística que requiere multitud de conocimientos, y  grandes dosis de habilidad y perfección. Quien escoge esta rama del arte para expresar su creatividad, elige una de las materias más complejas pero a la vez más extraordinarias y apasionantes que puede proyectar la imaginación humana, y que sólo está al alcance de unos pocos, en comparación con la pintura, el dibujo o el grabado, más fácilmente accesibles.

El MEAM de Barcelona durante los meses de abril, mayo y junio, en su sede del Palau Gomnis,  la exposición: UN SEGLE D’ESCULTURA CATALANA, una recopilación única de obras, con cerca de 300 esculturas de 80 artistas, desde el Modernismo a la actualidad.

Una muestra plagada de esplendor artístico, de belleza y sensibilidad, de pasión y carácter dirigida por José Manuel Infiesta y coordinada por  Juan Carlos Bejarano, Jorge Egea, Cristina Rodriguez Samaniego y Agueda Romaña,

Salvador Dalí ("Newton"), Julio Antonio ("Monumento a Wagner"), Joan Rebull ("La Ben Plantada"), los hermanos Oslé, Luisa Granero o Josep Cañas. Auguste Rodin con su "Cabeza de San Juan Evangelista"; Constantin Meunier con "Guerrero a caballo. "Los primeros fríos"; y otra a Josep Llimona, el gran artista modernista por antonomasia, con "Desconsuelo", "El paje florentino", la versión original de "El Forjador", "La Desolación" o la nunca expuesta "Conde de Barcelona". Más allá del modernismo, en la misma planta se pueden contemplar obras de autores como Enric Clarasó o Joan Piqué, con su sorprendente "Homenaje a Bernat Metge".

Esculturas de artistas que "experimentaron con líneas más geométricas y expresionistas, sin abandonar la figuración", como Pau Gargallo con el relieve "La Bestia del Hombre", "La Academia", "Autorretrato" u "Homenaje a Chagall"; Juli González con una cabeza en bronce, o Apel·les Fenosa.

Las esculturas expuestas,  realizadas en mármol, bronce o terracota, u otros materiales, procedentes de colecciones particulares o de los fondos de la Fundació de les Arts i els Artistes, así como otros estamentos museísticos como el Museu del Modernisme Català, etc.,  muestran un carácter crucial para entender la historia de la escultura catalana en el siglo XX, originándose en el Modernismo.

Sin olvidar tendencias academicistas, provee de sinuosidad, sentimiento, belleza y expresión unas obras que llegan al espectador, tanto por su hermosura como por su creatividad sin límites, su concepto de lo estético en un entorno cultural floreciente en un principio, que con el paso del tiempo no ha perdido ni dinamismo y ni la exaltación por la creación, hasta llegar a tendencias más vanguardistas y atrevidas, no exentas de una singular fuerza expresiva, abundando el desnudo femenino real e idealizado,  y rostros de mujer, y todas ellas, realizadas por hombres, a excepción de Lluïsa Sallent o Mercedes Jiménez, dos mujeres escultoras.

Se pueden mencionar datos técnicos, fechas, procedencias, etc. Pero lo importante de esta exhibición de escultura es su magnificencia, su extraordinaria capacidad de seducción al espectador, que admira y se embelesa ante la contemplación de obras, donde puede observarse infinidad de manifestaciones en los rostros: seriedad, austeridad, tristeza, melancolía, incomprensión, distancia, sublimidad, rendición… y por supuesto, el germen de la creatividad en surgido de la dureza,  y a la vez nobleza de materiales.

El texto del blog de la revista GAL-ART de esta semana está dedicado al fotógrafo BOB GRUEN, uno de los fotógrafos más audaces,  y con una estética peculiar para la plasmación en imágenes.

 

Un artículo de reciente factura, aparecido en el número 344, correspondiente a los septiembre-octubre de 2013.

Bob Gruen nace en 1945 y está vinculado a la fotografía durante toda su vida. Americano de nacimiento siempre ha estado al lado de las leyendas de la música y famosos de la actualidad. Tuvo una gran amistad con John Lenonn y Yoko Ono que siempre decidieron que las imágenes fueran tomadas por Gruen.

 

Por su cámara han pasado grandes estrellas como Eric Clapton, Sean Lennon, Joe Strummer, Led Zeppelin, Rolling Stones, Elvis Presley, David Bowye, The Sex Pistols, etc; y así, una serie de interminables figuras de ayer y de hoy en las que sus imágenes cautivaron a adolescentes de la época.

Ha publicado libros de su trabajo como El Año Nuevo York (2005), The Clash (2004), The Rolling Stones - Crossfire Hurricane (1997), Genesis Publications, The Sex Pistols: Caos (1990), «Rockers: «Rockers: La Prueba» (2008).

Se puede decir que Bob Gruen estuvo en el sitio oportuno en el momento adecuado, dando fe en su carrera de una satisfacción personal de poder comprobar que todo su trabajo es reconocido por las firmas discográficas, fans y seguidores de todas estas figuras que marcaron y marcan leyendas inolvidables.

 

Desde aquí, enviarle a este gran profesional de la fotografía nuestro agradecimiento por habernos dado de beber de la fuente de los famosos y acortar un poco más a la distancia que nos separa de ellas. Redacción G.A.